domingo, 23 de mayo de 2010
PIXELPENCIL/CHRISTIAN FAUR
Christian Faur es un artista estadounidense que ocupa un material muy particular como soporte de sus obras, los clásicos crayones. Utilizándolos a modo de pixeles, este artista es capaz de crear diversos retratos de gran formato, disponiéndolos según los colores y en diferentes profundidades para generar las sombras. De esta forma, Faur equilibra a la perfección las cualidades de la escultura y de la fotografía.
CLAES OLDENBURG/ ESTÉTICA DEL DULCE
CLAES OLDENBURG/ ESTÉTICA DEL DULCE
ESCALA. RELACIÓN CON LOS ESPACIOS
ESCALA. RELACIÓN CON LOS ESPACIOS
ARTEPOP CHILENO / GONZALO DIAZ
“Se da una desarticulación de los soportes convencionales. Luego, esto dará cuerpo a un terreno mucho más experimentado o más extremo con el trabajo de las instalaciones y las performances, que constituyen un antecedente para el posterior desarrollo y apertura del campo de la producción en las artes visuales en nuestro país”,
El arte conceptual adquirió el rango de movimiento a finales de los años ’60 y principios de los ’70. Denominado con frecuencia idea art o information art, se aparta del concepto tradicional de la creatividad, con una notoria reducción de lo objetivo y el desplazamiento del objeto por la idea.
Los procesos ideológicos que realiza el artista son accesibles al espectador gracias a textos, diagramas y fotografías circunscritos a la obra.
“Estos artistas empiezan a cuestionarse todo. Incorporan elementos biográficos relacionados con la historia del momento y la temática de la ciudad, así como iconografía popular”
Montes de Oca.
"Chica Klenzo", imagen central de la obra Historia
Sentimental de la Pintura Chilena, de Gonzalo Díaz.
Extraído de amigosdelarte.cl
El arte conceptual adquirió el rango de movimiento a finales de los años ’60 y principios de los ’70. Denominado con frecuencia idea art o information art, se aparta del concepto tradicional de la creatividad, con una notoria reducción de lo objetivo y el desplazamiento del objeto por la idea.
Los procesos ideológicos que realiza el artista son accesibles al espectador gracias a textos, diagramas y fotografías circunscritos a la obra.
“Estos artistas empiezan a cuestionarse todo. Incorporan elementos biográficos relacionados con la historia del momento y la temática de la ciudad, así como iconografía popular”
Montes de Oca.
"Chica Klenzo", imagen central de la obra Historia
Sentimental de la Pintura Chilena, de Gonzalo Díaz.
Extraído de amigosdelarte.cl
POP arte POP
El termino Pop surge de la Expresión inglesa "popular" que se refiere a todo lo que tiene aceptación general. Los temas pictóricos del Pop Art están motivados por la vida diaria; reflejan las realidades de una época en la que se define un sistema de vida que tiene como característica la masificación en todos los sentidos.
El Pop equipara el arte para todo el mundo; con él desaparece la idea de un tipo de arte elitista. La propaganda también tiene su lugar en este movimiento que plasma en sus obras las expresiones cotidianas como tomar Coca Cola o leer comics, coleccionar baratijas, comer hamburguesas, y todo lo que hace la vida de todos los días. La conducta provocativa, la conmoción y la alteración de lo cotidiano, la ruptura de los tabúes y el final de la mojigatería forman parte de esta contracultura. Este proceso puso en marcha la inversión de los valores en las relaciones humanas y cuestionó el tradicional reparto de papeles; la educación antiautoritaria, las nuevas estructuras profesionales, la emancipación de la mujer y la liberación sexual, se desarrollaron a partir de esta "revolución cultural". La revalorización de lo trivial se efectuó a muchos niveles.
Lo Kitsh y los souvenirs, las imágenes de la industria del consumo, los símbolos publicitarios, los comics y la literatura barata, no sólo se fueron convirtiendo en el contenido del arte y en temas de investigación, sino también en objetos coleccionados por los museos.
Extraído de artpop.htmlplanet.com/popel.htm
El Pop equipara el arte para todo el mundo; con él desaparece la idea de un tipo de arte elitista. La propaganda también tiene su lugar en este movimiento que plasma en sus obras las expresiones cotidianas como tomar Coca Cola o leer comics, coleccionar baratijas, comer hamburguesas, y todo lo que hace la vida de todos los días. La conducta provocativa, la conmoción y la alteración de lo cotidiano, la ruptura de los tabúes y el final de la mojigatería forman parte de esta contracultura. Este proceso puso en marcha la inversión de los valores en las relaciones humanas y cuestionó el tradicional reparto de papeles; la educación antiautoritaria, las nuevas estructuras profesionales, la emancipación de la mujer y la liberación sexual, se desarrollaron a partir de esta "revolución cultural". La revalorización de lo trivial se efectuó a muchos niveles.
Lo Kitsh y los souvenirs, las imágenes de la industria del consumo, los símbolos publicitarios, los comics y la literatura barata, no sólo se fueron convirtiendo en el contenido del arte y en temas de investigación, sino también en objetos coleccionados por los museos.
Extraído de artpop.htmlplanet.com/popel.htm
BAUDRILLARD
La sociedad de consumo
.. "el problema fundamental del capitalismo contemporáneo no es ya la contradicción entre obtención del máximo beneficio y racionalización de la producción (a nivel empresario), sino entre una productividad virtualmente ilimitada (a nivel de la tecnoestructura) y la necesidad de dar salida a los productos. En esta fase se torna vital para el sistema, controlar no sólo el aparato de producción, sino la demanda de consumo, lo que se pedirá a estos precios.
... Es evidente que todo el aparato económico y psicosociológico de estudios de mercado, motivaciones, etc., mediante el cual se pretende hacer reinar en el mercado la demanda real, las necesidades profundas del consumidor, existe con el único objetivo de canalizar dicha demanda hacia los fines del mercado, pero disimulando continuamente este proceso al poner en escena el proceso inverso. "El hombre no se ha transformado en objetivo científico para el hombre hasta que los automóviles se han convertido en más difíles de vender que de fabricar."
La sociedad de consumo.
Jean Baudrillard
.. "el problema fundamental del capitalismo contemporáneo no es ya la contradicción entre obtención del máximo beneficio y racionalización de la producción (a nivel empresario), sino entre una productividad virtualmente ilimitada (a nivel de la tecnoestructura) y la necesidad de dar salida a los productos. En esta fase se torna vital para el sistema, controlar no sólo el aparato de producción, sino la demanda de consumo, lo que se pedirá a estos precios.
... Es evidente que todo el aparato económico y psicosociológico de estudios de mercado, motivaciones, etc., mediante el cual se pretende hacer reinar en el mercado la demanda real, las necesidades profundas del consumidor, existe con el único objetivo de canalizar dicha demanda hacia los fines del mercado, pero disimulando continuamente este proceso al poner en escena el proceso inverso. "El hombre no se ha transformado en objetivo científico para el hombre hasta que los automóviles se han convertido en más difíles de vender que de fabricar."
La sociedad de consumo.
Jean Baudrillard
CIUDAD ELECTRODULCE
Ciudad electrodulce es una creación de ficción en donde todos los elementos pertenecen a la estética del dulce. Dando cuenta de cómo, a través de lo visual se atrae el consumo infantil de comida chatarra. Parte de su diseño es realizado a partir de la observación de tarjetas electrónicas, de sus circuitos y características. En estos paisajes siempre hay una central de abastecimiento que genera los productos comestibles: grasa y azúcar la base principal de su composición real.
Son varias las problemáticas que se pueden abordar. La obesidad infantil, el poder de la imagen y de las empresas que logran construir no sólo un producto comestible si no una marca, quienes adquieren estos productos no solo compran el contenido del envase sino el diseño del envase, el juguete que viene de regalo.
Son varias las problemáticas que se pueden abordar. La obesidad infantil, el poder de la imagen y de las empresas que logran construir no sólo un producto comestible si no una marca, quienes adquieren estos productos no solo compran el contenido del envase sino el diseño del envase, el juguete que viene de regalo.
VIDEOSFERA
“En la era de lo <
Regis Debray.
"TIEMPOS MODERNOS" Tiempo, ritmo, sistema, acción humana.
Tiempos Modernos es un largometraje de 1936 dirigido, escrito y protagonizado por el célebre actor Charles Chaplin. La película constituye un retrato de las condiciones desesperadas de empleo que la clase obrera tuvo que soportar en la época de la Gran depresión, condiciones promovidas, en la visión dada por la película, por la eficiencia de la industrialización y la producción en cadena. El vagabundo la anima a no perder la esperanza. Se alejan juntos hacia el horizonte. Este personaje no critica al sistema capitalista, es una visión a cerca de de su experiencia, esto se puede apreciar en varias escenas de la película, por ejemplo cuando sueña como seria su vida en la casa de un burgues de la época. La película es una obra objeto de estudio para conocer como era la vida en esos tiempos de florecimiento de la burguesía.
El arte y el consumo
¿Porqué hablar de arte en los tiempos actuales cuando la mayoría de la población no tiene las necesidades básicas satisfechas?. Lo cierto es que el arte convive con el ser humano a pesar de todo, ya sea por el peso de la historia o por la realidad que nos atraviesa.
La utilización de un bien para satisfacer las necesidades. El hecho artístico, para que se concrete, necesita de dos partes: El productor artístico y el consumidor. Indiscutiblemente vivimos en una sociedad de consumo por lo tanto el objeto artístico, cualquiera sea, (un libro, una composicón musical, una obra de teatro, una escultura, una pintura, una película, un programa de televisión, etc.,) es un producto cultural para ser consumido. Según la definición que nos da el diccionario, de acuerdo a nuestras facultades sensoriales, estéticas o intelectuales, elegiremos cual consumiremos. La definición: consumo; dice que es para satisfacer uan necesidad ¿Y cuál es la necesidad que satisface el arte o el objeto cultural?. Pues a esto se responde, “la necesidad estética”.
No se puede decir que todo hecho cultural es artístico, pero si, y siguiendo el recorrido, que: por medio de la función estética consumiendo un producto cultural nos aproximamos al fenómeno artístico. En la definición de Arte que da el diccionario habla de facultades, y las facultades se incorporan al ser humano, se aprenden, se potencian. Y es ahí adonde una política cultural debiera apuntar: Generar espacios de aprendizaje para desarrollar el espíritu crítico. Como vemos la crisis cultural no depende únicamente de la crísis económica, pero si, de la carencia de una política cultural o por lo menos de una voluntad para implementarla.
Extraído de convicciones.blogia.com
La utilización de un bien para satisfacer las necesidades. El hecho artístico, para que se concrete, necesita de dos partes: El productor artístico y el consumidor. Indiscutiblemente vivimos en una sociedad de consumo por lo tanto el objeto artístico, cualquiera sea, (un libro, una composicón musical, una obra de teatro, una escultura, una pintura, una película, un programa de televisión, etc.,) es un producto cultural para ser consumido. Según la definición que nos da el diccionario, de acuerdo a nuestras facultades sensoriales, estéticas o intelectuales, elegiremos cual consumiremos. La definición: consumo; dice que es para satisfacer uan necesidad ¿Y cuál es la necesidad que satisface el arte o el objeto cultural?. Pues a esto se responde, “la necesidad estética”.
No se puede decir que todo hecho cultural es artístico, pero si, y siguiendo el recorrido, que: por medio de la función estética consumiendo un producto cultural nos aproximamos al fenómeno artístico. En la definición de Arte que da el diccionario habla de facultades, y las facultades se incorporan al ser humano, se aprenden, se potencian. Y es ahí adonde una política cultural debiera apuntar: Generar espacios de aprendizaje para desarrollar el espíritu crítico. Como vemos la crisis cultural no depende únicamente de la crísis económica, pero si, de la carencia de una política cultural o por lo menos de una voluntad para implementarla.
Extraído de convicciones.blogia.com
JEFF KOONS/ Sociedad de consumo
Jeff Koons es un artista norteamericano conocido por sus reproducciones gigantes de los objetos banales ( de consumo de una sociedad globalizada), animales de globos producidos en las superficies de acero inoxidable con acabado espejo, a menudo de colores brillantes. el trabajo de Koons se ha vendido por sumas sustanciales, incluida al menos un precio récord mundial en subasta para una obra de un artista vivo. Algunos ven su trabajo como pionero y de gran importancia histórico-artístico. Otros desestiman su trabajo como kitsch : burdo y cínico sobre la base de la libre comercialización.]Koons mismo ha afirmado que no hay significados ocultos en sus obras.
JORGE ALDERETE. /Imagen publicitaria.
Jorge Alderete. Ilustrador pop, influenciado por la cultura trash, las películas de ciencia ficción de los 50's, la lucha libre, la música surf, que plasma este universo en sus psicotrónicas ilustraciones, animaciones e historietas.
Egresado de la Facultad de Bellas Artes, de la Universidad Nacional de La Plata, Argentina, como Diseñador en Comunicación Visual.
Colaboró con distintos medios de Argentina, México y España.
Como animador independiente realizó animaciones para MTV latin America y Japón, Nickelodeon Latin America y Brasil, etc. y también fue coordinador de la sección de animación de la web de MTV latina america. Fue jurado en los premios MTV online 2001, en el rubro animación y en el rubro diseño en los premios One Show 2004 en New York.
Actualmente y desde su laboratorio en el DF, sigue realizando ilustraciones, comics o animaciones para distintos medios y editoriales de Argentina, Mexico, España, Italia, Alemania, Portugal, USA, Suiza, Finlandia etc.
Egresado de la Facultad de Bellas Artes, de la Universidad Nacional de La Plata, Argentina, como Diseñador en Comunicación Visual.
Colaboró con distintos medios de Argentina, México y España.
Como animador independiente realizó animaciones para MTV latin America y Japón, Nickelodeon Latin America y Brasil, etc. y también fue coordinador de la sección de animación de la web de MTV latina america. Fue jurado en los premios MTV online 2001, en el rubro animación y en el rubro diseño en los premios One Show 2004 en New York.
Actualmente y desde su laboratorio en el DF, sigue realizando ilustraciones, comics o animaciones para distintos medios y editoriales de Argentina, Mexico, España, Italia, Alemania, Portugal, USA, Suiza, Finlandia etc.
CLAUDINE HELMUTH
Claudine Hellmuth es una artista especializada en Mixed Media, a la vez que autora e ilustradora, tal como ella se define. Realiza Collage combinando fotos, pintura papel y lápiz. La imagen idealizada de mujer se combina con coloridos diseños casi infantiles aludiendo a cuestiones de género de la realidad norteamericana de los años 60.
LICHTENSTEIN
Roy Fox Lichtenstein (Nueva York, 1923 – 1997) Pintor estadounidense de arte pop, artista gráfico y escultor, conocido sobre todo por sus interpretaciones a gran escala del arte del cómic.
"Nosotros pensamos que la generación anterior intentaba alcanzar su subconsciente, mientras que los artistas pop intentamos distanciarnos de nuestra obra. Yo deseo que mi obra tenga un aire programado e impersonal, pero no creo ser impersonal mientras la realizo"
"Brushstroke".
PAUL VALERY. El arte antes y ahora.
«En un tiempo muy distinto del nuestro, y por hombres cuyo poder de acción sobre las cosas era insignificante comparado con el que nosotros poseemos, fueron instituidas nuestras Bellas Artes y fijados sus tipos y usos. Pero el acrecentamiento sorprendente de nuestros medios, la flexibilidad y la precisión que éstos alcanzan, las ideas y costumbres que introducen, nos aseguran respecto de cambios próximos y profundos en la antigua industria de lo Bello.
En todas las artes hay una parte física que no puede ser tratada como antaño, que no puede sustraerse a la acometividadel conocimiento y la fuerza modernos. Ni la materia, ni el espacio, ni el tiempo son, desde hace veinteaños, lo que han venido siendo desde siempre. Es preciso contar con que novedades tan grandes transformen toda la técnica de las artes y operen por tanto sobre la inventiva, llegando quizás hasta a modificar de una manera maravillosa la noción misma del arte.»
PAUL VALÉRY, Pièces sur l'art ( «La conquête de l'ubiquité»).
En todas las artes hay una parte física que no puede ser tratada como antaño, que no puede sustraerse a la acometividadel conocimiento y la fuerza modernos. Ni la materia, ni el espacio, ni el tiempo son, desde hace veinteaños, lo que han venido siendo desde siempre. Es preciso contar con que novedades tan grandes transformen toda la técnica de las artes y operen por tanto sobre la inventiva, llegando quizás hasta a modificar de una manera maravillosa la noción misma del arte.»
PAUL VALÉRY, Pièces sur l'art ( «La conquête de l'ubiquité»).
IMPRESIONISMO. Degas, Monet, Morisot.
Morisot. 
El impresionismo en pintura partió del desacuerdo con los temas clásicos y con las encorsetadas fórmulas artísticas preconizadas por la Academia Francesa de Bellas Artes. La Academia fijaba los modelos a seguir y patrocinaba las exposiciones oficiales del Salón parisino. Los impresionistas, en cambio, escogieron la pintura al aire libre y los temas de la vida cotidiana.
Su primer objetivo fue conseguir una representación del mundo espontánea y directa, y para ello se centraron en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos. Consiguieron ofrecer una ilusión de realidad aplicando directamente sobre el lienzo pinceladas de color cortas y yuxtapuestas, que mezcladas por la retina del observador desde una distancia óptima aumentaban la luminosidad mediante el contraste de un color primario (como el magenta) con su complementario (verde). De este modo, los impresionistas lograron una mayor brillantez en sus pinturas que la que se produce normalmente al mezclar los pigmentos antes de aplicarlos.
Las figuras principales del movimiento fueron: Edgar Degas, Claude Monet, Berthe Morisot, Camille Pisarro, Auguste Renoir y Alfred Sisley.
DEGAS.
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Degas.
Monet.
El impresionismo en pintura partió del desacuerdo con los temas clásicos y con las encorsetadas fórmulas artísticas preconizadas por la Academia Francesa de Bellas Artes. La Academia fijaba los modelos a seguir y patrocinaba las exposiciones oficiales del Salón parisino. Los impresionistas, en cambio, escogieron la pintura al aire libre y los temas de la vida cotidiana.
Su primer objetivo fue conseguir una representación del mundo espontánea y directa, y para ello se centraron en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos. Consiguieron ofrecer una ilusión de realidad aplicando directamente sobre el lienzo pinceladas de color cortas y yuxtapuestas, que mezcladas por la retina del observador desde una distancia óptima aumentaban la luminosidad mediante el contraste de un color primario (como el magenta) con su complementario (verde). De este modo, los impresionistas lograron una mayor brillantez en sus pinturas que la que se produce normalmente al mezclar los pigmentos antes de aplicarlos.
Las figuras principales del movimiento fueron: Edgar Degas, Claude Monet, Berthe Morisot, Camille Pisarro, Auguste Renoir y Alfred Sisley.
DEGAS.
/>Degas.
Monet.
CRISTIAN CORRAL. "Enlace gráfico"
Enlace gráfico exposición que pretende establecer a partir de la pintura y el dibujo un diálogo, que desde la manualidad y la tradición implícita en estas dos disciplinas de cuenta de problemas vinculados tanto con la periferia a nivel social y a su vez con el mismo borde del arte. Formalmente ambos artistas trabajan desde la gráfica y la pintura, puntualizando cada ejercicio a partir de una representación realista del entorno donde ambos residen, ya sea las fachadas de casas en la ribera del río Bío Bío (Corral), como a su vez, los interiores de casas en el sector sur de Santiago (Bruna). El montaje finalmente queda supeditado a las irregularidades estructurales que posee la sala CAP de la Universidad de Concepción, en el cual ambas miradas se contraponen, una al lado de la otra, en cada vértice que entrega tal estructura, miradas que finalmente nos hablan de aquellos lugares y espacios alejados y apartados con una visión tanto desde afuera (desde la superficie) como desde su interior (su intimidad).
Extraído de http://www.artechilenoindependiente.cl
Extraído de http://www.artechilenoindependiente.cl
ANTECEDENTES HISTÓRICOS GENERALES
Las últimas décadas del siglo XIX (y el paso al siglo XX) se caracterizan fundamentalmente por fuertes cambios. Cambios anunciados y gestados en el pasado pero que se efectuarían, de hecho, en el siglo. Cambios en todos los ámbitos de la vida y el conocimiento. Revoluciones de todas las índoles tendrían su lugar.La industrialización, el desarrollo de medios de comunicación cada vez más rápidos y fáciles (vapor, telégrafo) los avances científicos (fotografía), la extensión de la luz artificial (gas, queroseno, electricidad), la colonización, el descubrimiento de nuevos mundos, la importancia de la vida urbana... todo ello afectará profundamente al arte e influirá en los distintos autores.
Distintos pintores coincidirán en enfatizar el valor de la luz como elemento configurador de la apariencia visual. La realidad. ya no será algo tangible, sino perceptible para la mirada desde condiciones físicas muy variables. De aquí nacerá el Impresionismo. Los artistas se interrogarán a sí mismos, no sólo acerca de su trabajo (como deben pintar) sino también acerca de su función social, de su utilidad.
De estos interrogantes surgirá la nueva concepción del arte como investigación abierta que da respuesta a los problemas individuales o colectivos y que aporta nuevos universos, expresiones y sensaciones hasta entonces inexplorados: este es el sentido de las vanguardias. La ruptura con los viejos lenguajes y tradiciones, el arte aparecerá como ejemplo de actividad libre, de observacion de la transformacion de la vida.
Aparecerán nuevos lenguajes artísticos (en consonancia con las demandas de comunicación y producción de la sociedad moderna) que se integrarán perfectamente en la naciente cultura de masas, asistiéndose a un proceso de multiplicación, difusión y diversificación de la imagen que se inicia con los medios de comunicación plásticos de carácter estético (cartel, cómic, fotografía) y culmina con el cine (medio dinámico) como uno de los fenómenos emblemáticos del siglo XX.
Distintos pintores coincidirán en enfatizar el valor de la luz como elemento configurador de la apariencia visual. La realidad. ya no será algo tangible, sino perceptible para la mirada desde condiciones físicas muy variables. De aquí nacerá el Impresionismo. Los artistas se interrogarán a sí mismos, no sólo acerca de su trabajo (como deben pintar) sino también acerca de su función social, de su utilidad.
De estos interrogantes surgirá la nueva concepción del arte como investigación abierta que da respuesta a los problemas individuales o colectivos y que aporta nuevos universos, expresiones y sensaciones hasta entonces inexplorados: este es el sentido de las vanguardias. La ruptura con los viejos lenguajes y tradiciones, el arte aparecerá como ejemplo de actividad libre, de observacion de la transformacion de la vida.
Aparecerán nuevos lenguajes artísticos (en consonancia con las demandas de comunicación y producción de la sociedad moderna) que se integrarán perfectamente en la naciente cultura de masas, asistiéndose a un proceso de multiplicación, difusión y diversificación de la imagen que se inicia con los medios de comunicación plásticos de carácter estético (cartel, cómic, fotografía) y culmina con el cine (medio dinámico) como uno de los fenómenos emblemáticos del siglo XX.
lunes, 17 de mayo de 2010
Martin Arnold y el video a partir del reciclado
Martin Arnold artista austriaco que realizó una serie de trabajos de reciclado cinematográfico donde aplica técnicas vanguardistas de manipulación, encuadre por encuadre, para descontextualizar la obra original y llevarla a un terreno completamente distinto donde impera, de manera desconcertante, un sentido irónico y perturbador.
"Pieza toucheé" (1989) es la re-presentación de una escena de una película de la década de 1940 de una mujer y un hombre que viene a visitarla. Comienza con la mujer sentada en una silla disfrutando de su libro. De pronto esta escena familiar adquiere la sensación de una película de terror , Arnold se basa en este ambiente árido de la trampa y el caos incipiente hasta el punto en una especie de vértigo establece En una secuencia vertiginosa, literalmente, Arnold introduce maníaca flash-cortes y repeticiones en varias ocasiones e interrumpe una escena en la que la cámara se alza a través de la mujer y el hombre que camina, lo cual tendrá algunos espectadores explotación de sus sillas.
"Pieza toucheé" (1989) es la re-presentación de una escena de una película de la década de 1940 de una mujer y un hombre que viene a visitarla. Comienza con la mujer sentada en una silla disfrutando de su libro. De pronto esta escena familiar adquiere la sensación de una película de terror , Arnold se basa en este ambiente árido de la trampa y el caos incipiente hasta el punto en una especie de vértigo establece En una secuencia vertiginosa, literalmente, Arnold introduce maníaca flash-cortes y repeticiones en varias ocasiones e interrumpe una escena en la que la cámara se alza a través de la mujer y el hombre que camina, lo cual tendrá algunos espectadores explotación de sus sillas.
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